La règle de prise de vue 75, 85, 100 : comment être un photographe plus heureux

Nous avons tous entendu dire que “les vrais photographes réussissent à huis clos”. Qu’il s’agisse d’un argument stupide sur la prise de vue RAW vs JPEG ou d’une conférence prêcheuse sur les pièges de l’utilisation de tout sauf du mode manuel, il peut y avoir beaucoup de pression pour obtenir des images parfaites dès la sortie de l’appareil photo. Il peut également y avoir une tendance apathique à simplement “réparer en post”. Les deux extrêmes ont leurs inconvénients et j’ai trouvé qu’une approche équilibrée est essentielle pour le développement personnel et le bonheur.

Je suis juste assez vieux pour avoir survécu à la révolution numérique, et il y a certainement des choses dont je me souviens très bien de l’ère du cinéma. Avant d’être qualifié de néo-luddite, je tiens à préciser que je ne m’envisage jamais de revenir au cinéma pour un travail commercial – le facteur coût et commodité rend cela invraisemblable. Mais, j’aime vraiment tourner des films !

À bien des égards, le tournage d’un film était un flux de travail beaucoup plus rationalisé. En supposant que votre film a été développé dans un laboratoire de qualité, une grande partie du post-traitement qui incombe désormais au photographe a été effectuée par l’un des opérateurs du minilab perché derrière un Noritsu ou un Frontier. Même si vous scanniez et éditiez des images dans Photoshop comme moi, je savais quel film j’aimais – il avait un aspect natif proche de ce que je voulais.

Ce n’est vraiment plus le cas. Il y a certainement eu des progrès incroyables dans la qualité des images produites par les appareils photo numériques modernes par rapport à mon premier D70, mais je n’ai pas encore trouvé la combinaison magique qui imite la simplicité du flux de travail du film.

Au début de mon passage au numérique, j’avais l’impression de recommencer à zéro dans la photographie. Les concepts fondamentaux s’appliquaient toujours, mais je me trouvais très frustré de ne pas pouvoir obtenir le même “look”. Et à partir de cette frustration, j’ai développé une approche pour aider à combler la transition.

La frustration peut tuer la créativité. Mon problème n’était pas que j’oubliais d’une manière ou d’une autre les principes fondamentaux de la photographie, c’était que j’avais besoin d’évoluer vers une meilleure compréhension des changements technologiques actuels. J’avais besoin d’un système qui me laisserait de la place pour bousiller et comprendre les choses – pour grandir. Cette approche m’a non seulement aidé, mais pendant plus d’une décennie, j’ai utilisé cette même approche avec mes élèves pour les aider à naviguer dans leur développement.

Tout comme mes étudiants, j’ai découvert que lorsque je grandissais en tant que photographe, j’étais beaucoup plus heureux dans mon parcours, ce qui encourageait une croissance supplémentaire. C’était cyclique.

J’espère que cela peut aider à réduire une partie de la pression et de la stigmatisation pour permettre au photographe de se concentrer sur la création d’un travail de fond, et non sur le fait qu’il « le fasse bien ». J’ai appelé cette approche la règle des 75, 85, 100, mais « ligne directrice » est probablement un terme plus approprié. Vos chiffres peuvent sembler un peu différents selon l’état d’avancement de votre voyage, mais d’après mon expérience, ce sont un bon point de départ.

Obtenez votre photo à 75 % directement dans l’appareil photo

Télémètre et WPPI a publié un rapport en mai 2021 décrivant plusieurs mesures clés pour le marché du mariage professionnel. Bien que je reconnaisse que tous les lecteurs ne sont pas des photographes professionnels, ne sont pas des photographes de mariage professionnels ou ne veulent pas être photographes professionnels, il y avait une statistique clé qui, à mon avis, est vraie pour notre forme d’art : nous, en tant que photographes, passons beaucoup de temps derrière l’ordinateur. En fait, ce rapport a révélé que 58 % des personnes interrogées passent plus de temps derrière l’ordinateur que derrière l’appareil photo, et que seulement 19 % passent plus de temps à photographier.

Honnêtement, je trouve que l’ordinateur est une masse aspirante de condensateurs, de circuits intégrés et de magie noire. Je n’aime pas vraiment l’édition, mais la réalité est que j’ai peur de l’exploiter et d’espérer que l’éditeur comprenne votre vision, cela fait partie de notre flux de travail.

La bonne nouvelle, c’est que nous avons notre mot à dire ! Nous pouvons choisir la quantité de modifications à effectuer. J’enseigne à mes élèves que chaque minute gagnée derrière l’ordinateur est une minute libérée pour travailler avec un nouveau client ou aller s’asseoir sous un arbre, les deux sont tout à fait valables. Je leur conseille de se concentrer sur quelques éléments simples pour obtenir une image correcte à 75 % à huis clos.

1. La couverture est primordiale

Si vous pensez que vous avez assez tiré, tirez plus. Explorez tous les angles du sujet – changez la perspective de l’appareil photo. Essayez une distance focale et une profondeur de champ différentes, vérifiez les bords du cadre sales et assurez-vous que votre exposition, votre balance des blancs et votre mise au point critique sont aussi proches que possible. Je sais que nous avons tous regardé les images collectives d’un tournage et pensé « si seulement j’avais… ». Le meilleur conseil que je puisse donner est de s’assurer d’abord que vous tirez suffisamment.

Je ne veux pas que quiconque entende l’approche de pulvérisation et de prière préconisée ici, vous travaillez avec une caméra, pas une mitrailleuse, mais 10 images réfléchies supplémentaires pourraient faire gagner beaucoup de temps dans le montage. Ralentissez, évaluez le sujet et votre prise de vue ; recherchez les coups que vous avez manqués.

2. Apprenez à aimer un contrôleur de couleur

Oui, il s’agit d’une étape supplémentaire pour créer et appliquer des profils de couleurs. Mais! Quinze secondes supplémentaires pour prendre une photo d’un nuancier peuvent rapporter gros sur la route lorsque vous arrivez à l’édition. Il n’est pas nécessaire qu’il provienne de Calibrite, mais investissez dans un bon tableau IT8, cela vaut votre temps et votre argent.

Investir dans et utiliser un bon tableau IT8 vaut bien votre temps et votre argent.

3. Soyez d’accord avec “Fermer”

L’objectif est toujours la croissance et l’amélioration personnelle. Je veux que mes images soient aussi proches que possible du client, surtout lorsque le client est moi. Cependant, je crois fermement qu’il existe un lien entre la qualité de l’œuvre produite et le plaisir de produire l’œuvre. Lorsque nous devenons si concentrés sur tout ce qui est parfait, cela peut conduire au doute de soi et à la procrastination – cela freine souvent notre capacité à être créatif.

Je ne fais pas la promotion de la mentalité “meh, je vais le réparer en post”, rapprochez-vous le plus possible de votre vision. Si le plus proche que vous pouvez obtenir de votre vision est de 75% en ce moment, donnez-vous la permission d’être satisfait de cela.

Obtenez les images finales sélectionnées et terminées à 85 %

Cela peut toujours être un peu écrasant lorsque je regarde pour la première fois un groupe d’images qui doivent être éditées, donc à ce stade, mon espoir n’est pas de me concentrer sur le produit final envisagé, mais plutôt sur les os de l’image. Obtenir les images finales sélectionnées et complétées à 85% est l’objectif final à ce stade. Dans n’importe quel gestionnaire de ressources numériques que vous aimez ; Lightroom, Bridge, Darktable, ACDSee, Capture One, peu importe – abordez ces fichiers sous une forme aussi détachée que possible.

Détaché est difficile. Cela peut être le plus grand combat pour les artistes. Nous étions là, nous savons ce que nous avons vu, nous voulons aimer ce que nous avons tourné et le partager avec les autres – nous voulons qu’ils ressentent ce que nous avons ressenti. Ces moments émouvants sont ce qui m’empêche de prendre la caméra. Le problème vient quand nous perdons l’objectivité. Nous devons évaluer les images pour ce qu’elles sont, et non pour ce que nous ressentons sur le moment.

1. Rechercher des images percutantes

Mon approche consiste à afficher les images en mode grille dans Lightroom avec la taille des vignettes définie sur la moitié. Selon votre prescription et la taille de votre moniteur, cela peut être différent pour vous – trouvez une taille qui vous permet d’avoir une idée de chaque image sans vous laisser distraire par les détails.

Mon approche est assez simple, si je n’aime pas la vignette, je n’aimerai probablement pas l’image en taille réelle. Recherchez les images qui ont un impact, qui vous sautent aux yeux. Vous n’aimerez pas toutes les images que vous avez prises, et ce n’est pas grave. Marquez les images qui attirent votre attention de quelque manière que ce soit. J’utilise les étoiles de classement où une étoile indique une image qui mérite d’être examinée plus en détail. Travaillez rapidement, si vous avez plusieurs images de la même composition, marquez-les toutes.

2. Recherchez les opportunités d’édition par lots

Une fois que j’ai fait mes sélections approximatives, je commence à chercher des opportunités d’éditer par lots. Il y a peut-être 10 prises de vue consécutives qui sont un peu sous-exposées, ou la balance des blancs est désactivée. C’est l’étape où le vérificateur de couleur est utile. Qu’il s’agisse d’appliquer un profil de caméra ou de tirer la bonne température de couleur, cet outil peut résoudre rapidement les problèmes de base. Si vous travaillez avec des préréglages, c’est le bon moment pour les appliquer. Quoi que vous fassiez, rappelez-vous, nous ne visons pas la perfection, nous ne faisons que cueillir les fruits à portée de main.

3. Faites les sélections finales

À ce stade, j’ai généralement une bonne idée des images avec lesquelles je veux continuer et je les note avec un 3 ou 4. C’est maintenant le bon moment pour comparer des plans similaires pour la mise au point critique ou les différences de composition et faire des modifications individualisées. Je peux aussi revenir en arrière et regarder les images environnantes qui n’ont pas fait le premier tour pour m’assurer qu’il n’y a rien que j’ai raté. N’oubliez pas que nous ne faisons toujours pas les modifications finales, nous recherchons simplement environ 85 % d’achèvement.

Réfléchissez et apportez les modifications finales à 100 %

1. Réfléchir

Pourquoi s’arrêter à 85% ? Une fois que j’ai sélectionné les images, j’aime prendre le temps de réfléchir à ce que j’ai tourné, être honnête avec moi-même et noter les domaines sur lesquels je dois travailler pour m’améliorer. Il est également important de noter les choses qui ont bien fonctionné et qui pourraient valoir la peine d’être refaites. Il y a toujours quelque chose que je trouve à noter, réévaluer constamment est la meilleure façon de grandir.

2. Modifications finales

Quel que soit le logiciel avec lequel vous vous sentez le plus à l’aise, c’est le moment de faire vos modifications finales. Je crois fermement au rôle que joue l’environnement dans la productivité. Pour moi, je travaille généralement à la maison avec beaucoup de café en écoutant de la musique de cerveau.fm. La “musique” peut être un peu bizarre au début, mais j’ai vraiment trouvé cela utile au cours des dernières années, essayez-le si vous ne l’avez pas essayé !

Une partie de mon travail est juste pour moi, d’autres peuvent être pour des clients. Quel que soit le cas, gardez à l’esprit le produit final et essayez de travailler d’un seul coup. J’ai constaté que mes modifications sont plus cohérentes et que je peux modifier beaucoup plus efficacement de cette façon.

3. Réfléchissez… Encore

Une fois que vous avez terminé, asseyez-vous, respirez profondément et réfléchissez aux leçons que vous pouvez en tirer. Donnez des félicitations là où elles sont dues, mais n’ayez pas peur d’être honnête avec vous-même. Cherchez des modèles à la fois bons et mauvais et travaillez sur la croissance.

En conclusion

Que faire si vous ne parvenez pas à obtenir vos images à 100 % ? C’est bon! Et s’il vous fallait cinq heures pour obtenir une image proche de 100 % ? C’est bien aussi ! Chaque photographe a la possibilité de grandir, d’élargir sa compréhension, de se diversifier de manière créative.

Si vous avez besoin d’éditer un peu plus que les autres photographes à ce stade, très bien ! Soyez gentil avec vous-même et ne laissez pas les attentes des autres décider de votre façon de travailler. J’aime quand les étapes deux et trois sont courtes, j’aime prendre plus de photos que de montage. Peut-être que vous êtes à l’opposé du spectre, c’est aussi correct. Nous devrions permettre à chaque artiste de poursuivre la photographie de la manière qui lui convient. Se concentrer sur le plaisir de la photographie, pas sur le dogme de certains photographes.

Vous ne pouvez pas utiliser les mêmes pondérations, le même nombre d’étapes ou quoi que ce soit d’autre. Ce que j’espère que vous en retirerez, c’est que vous devriez développer un système qui fonctionne là où vous êtes et vous encourage à atteindre là où vous voulez être.


Crédits image : Photo de stock de Depositphotos

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